Seguimos con más emociones
fuertes en el Meetyou Valladolid.
Las siguientes actuaciones te están esperando.
Programa doble: A view (15´)+ Ghost writer and the broken hand break (45´)
Miet Warlop
(°1978) es una artista visual belga nacida en Torhout. Vive y trabaja entre Gante y Bruselas. Miet Warlop
tiene un máster en Artes Visuales por la KASK de Gante.
Por su proyecto de graduación Huilend Hert, Aangeschoten Wild, una «instalación habitada
compuesta por seis tableaux vivants y un sujeto que se arrastra», ganó el premio del jurado Franciscus Pycke
y el premio de la residencia para obras de teatro jóvenes de 2004.
Tras esta creación, ha desarrollado muchas otras a las que le han sucedido también numerosos premios.
Sportband / Afgetrainde Klanken, Cherish the Cherries, Big Heap / Mountain
que creó como una de las seis artistas residentes DE BANK (Arts Centre CAMPO, Gante),
entre muchas otras. Actualmente Miet está trabajando en Histoire(s) du Théâtre IV: One Song, c
omo la cuarta directora que ha aceptado el encargo de NTGent.
Además de ello está investigando en su nueva creación, Delirium, con colaboración
con el Kunstenfestivaldesarts y Kaaitheater, y se estrenará en la primavera de 2024.
A view
Performer: Milan Schudel
Una mesa de comedor formal, cubierta con un mantel de seda blanca, recorre el espacio expositivo.
Piernas de mujer, vestidas con medias negras, son las patas de esta mesa móvil.
Después de un período de tiempo (aproximadamente 5 minutos), un miembro del personal de seguridad
del lugar coloca una vajilla en la parte superior de la mesa: una cena formal
para una persona con frutas tropicales, una copa y botella de cava, cubiertos, platos y una servilleta.
Poco a poco el peso de la mesa y el de los elementos colocados en la parte superior obligan
al intérprete a ceder y arrodillarse. Lentamente y con mucho cuidado la mesa baja al suelo.
A View explora los síntomas de la vida contemporánea dentro de la escala de 1 metro,
un punto de vista del mundo medido por la distancia entre nosotros mismos
y nuestras pantallas, mientras aparentemente nos sentimos multifacéticos y globalmente informados.
Ghost writer and the broken hand break
Intérpretes: Wietse Tanghe, Joppe Tanghe, Miet Warlop
Música: Pieter De Meester, Wietse Tanghe, Miet Warlop
Letras de canciones: Raimundas Malasauskas, Miet Warlop, Pieter De Meester
Ingeniero de sonido: Bart Van Hoydonck
Técnico: Patrick Vanderhagen y Thomas Vermaercke
Diseño de iluminación: Henri Emmanuel Doublier
Vestuario: Karolien Nuyttens
Producido por: Miet Warlop /Irene Wool vzw & NTGent
Coproducido por: Arts Centre Vooruit Gent, HAU Hebbel am Ufer – Berlin (DE)
Agradecimientos a: Carl Gydé, Jérôme Dupraz, Ian Gyselinck,
Michiel Goedertier (LaRoy NV), Janis Van Heesbeke (ongezien), Maarten Van Cauwenberghe,
Brahim Benhaddou (@coachedbybrahim), Seppe Cosyns, Niels Antonissen,
Mathias Batsleer, Midas Heuvinck, Carla Beeckmans, Elke Vanlerberghe
Con el apoyo de: Flemish Authorities, City of Ghent, Actoral. 17 Marseille (FR)
Tres intérpretes giran sin cesar sobre su propio eje en un concierto coreográfico.
«¿Cuál es realmente tu material de práctica?»
Esta pregunta le formuló el escritor fantasma Raimundas Malasauskas una vez a Miet Warlop.
“Medusa eléctrica”, dijo ella. «En transición. De la tensión a la atención, de la respiración al canto,
de la concentración a la mirada fija, de la mirada fija a la protagonista.
Vibrando con el más mínimo detalle en la galaxia. No hay marcos adicionales que agregar,
solo la gravedad. Obedeciendo a su fuerza, pegaré una mano al cielo y la otra al suelo.
Me temblarán las cuerdas vocales, pero me quedaré tranquila. Mi oído derecho se sintonizará
hacia la izquierda y mi oído izquierdo, hacia la derecha. La infinitud se activará.
Sin detener el movimiento, comenzaré a cantar canciones que escribimos sobre asuntos de la vida,
la muerte y el cambio de forma.
Esta vez no enseñaré a secar el yeso húmedo.
Dos o tal vez más cuerpos girarán alrededor de su eje a mi lado, pero ten en cuenta
que no soy yo quien está en el centro, ni tú ni nadie más cuya biografía quisieras usar.
Sus velocidades serán diferentes. Estarán en todo tipo de futuros y pasados, haciendo sonidos
con sus instrumentos y lenguas, todos alineados con sus pies.
Ninguna culminación aplaudirá en un horizonte; el horizonte también está en círculo.
Cuando llegue el momento de detenerse, miraremos nuestras propias palmas
y romperemos el hechizo de la transición sin fin. La verdad siempre está en algún lugar ahí «.
“Qué olor a sugerencias a seguir”, pensó el escritor fantasma.
Las canciones resultaron ser sobre ilusión, bromas perceptivas, rupturas invisibles, auto optimización,
presente y conciencia del ahora. Nada se mantuvo fiel al orden cíclico de las cosas.
LIVALONE
es una conferencia no académica con formato escénico.
La pieza pretende dar voz a la historia de Fran, un joven de 25 años, actor y creador,
que intenta por varios caminos la gran hazaña de vivir solo (sin compartir piso) en una ciudad como es Barcelona.
Es un relato en primera persona de todos los tropiezos para lograr lo que acaba siendo ya,
más que un derecho, una necesidad. Convivir con la especulación, la gentrificación,
la burbuja inmobiliaria, la clase baja venida a más, las apps para encontrar a tu buddy,
el turismo de masas amparado por el alcahuete Airbnb, la dignidad de toda una generación
que por primera vez en muchos años vive peor que sus predecesores.
Una disertación sobre la situación actual de la vivienda y la precariedad juvenil.
Una ponencia que especula y cuestiona los caminos para llegar a la autosuficiencia
con menos de treinta años y viviendo en el segundo país de Europa con más desempleo
y con un salario mínimo interprofesional lamentable.
Y todo esto, con un ejercicio lingüístico que pretende dar sonoridad, ritmo y poética al texto.
Acompañado de proyecciones audiovisuales que relatan, des de lo personal,
el proceso de Fran para emanciparse y dejar de compartir piso en el barrio de Poble Sec.
Un relato que transita la conferencia para acabar abordando el concepto de H O G A R.
*del inglés live alone (vivir solo).
Francesc Cuéllar
Graduado en Interpretación por el Institut del Teatre de Barcelona.
Amplia su formación en workshops con la bailarina Lali Ayguadé y con el bailarín
y performer Brandon Lagaert de la compañía de danza Pepping Tom.
Además, cursó el primer ciclo de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Barcelona.
Forma parte de la compañía José y sus hermanas con las que ha creado
Los bancos regalan sandwicheras y chorizos (espectáculo ganador de dos Premios de la Crítica 2017)
y Arma de construcción masiva (coproducción del Festival Internacional TNT).
En 2017 forma su propia compañía Fundación Agrupación Colectiva con la que estrenan su primer montaje,
que escribe y dirige, My low cost revolution (justificaciones del porqué soy una radical de mierda)
que hace dos temporadas a Barcelona.
Estrenan su segunda pieza Subversive Collective Violence en México,
después de dos meses de residencia en Guadalajara, donde firma la dirección, dramaturgia y la interpretación.
Forma parte del grupo de creadores #FF90, impulsado por el Graner
dentro del marco del Festival Sâlmon, el Festival Sismògraf y el Festival GREC.
Alejandro Curiel
Cursa estudios de interpretación en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid
completando su formación dentro del campo de la danza contemporánea y el teatro visual.
Una vez en Barcelona continúa con su trabajo como intérprete,
esta vez dentro del mundo audiovisual. En 2011 ingresa en el Institut del Teatre especializándose en la dirección escénica.
En el terreno profesional ha colaborado en diversas producciones de pequeño formato.
Como director escénico ha sido artista residente de la Sala Hiroshima de Barcelona
durante la temporada 15-16 estrenando allá sus dos primeras piezas de creación.
En 2017 su pieza All by myself forma parte de la programación del Festival Grec
dentro del contexto Grec+ que Antic Teatre genera para dar espacio a jóvenes
creadores dentro del marco de dicho festival. Además, en otoño de este mismo año su última pieza,
P/P (Propiedad Privada), es estrenada y coproducida por el festival TNT Terrassa Noves Tendències.
En la actualidad compagina su faceta de creador con la de intérprete dentro de la compañía José y sus Hermanas.
Una coproducción de Fira Tàrrega, Temporada Alta y Fundación Agrupación Colectiva.
Billy´s violence
«Es posible que la violencia de Shakespeare
nunca haya sido descubierta de una manera tan brutal y provocativa.
Obscena, dura y poética. Palabras. Palabras. Palabras. Pero apenas quedan palabras.
Solo algunos aspectos destacados. Poesía reconocible –tal como cita Shakespeare–
que ilumina como una centella en una noche oscura y desaparece inmediatamente.
Con el tiempo necesario para reconocer el paisaje,
pero con el tiempo insuficiente para encontrar el camino.
Erwin Jans
Cuando cae el telón después de las tragedias de Shakespeare, el orden se ha reestablecido.
En medio de una montaña de cuerpos, la calma del equilibrio desciende una vez más.
Lo que precede a todo esto –la obra– escenifica la salida de todas las reglas morales,
un alquiler profundo en el tejido social, un exceso de agresividad y de violencia.
¿Es necesario ese exceso para poder demostrar con más contundencia la necesidad de la ley?
¿O la violencia contiene su propia visión? ¿Su propia verdad? ¿Y cuál sería?»
Shakespeare es el escritor más leído y representado que el mundo ha conocido jamás.
Y, sin embargo, muchas de las obras son prácticamente irrepresentables debido a su violencia,
atrocidad, racismo y misoginia. ¿Qué papel juega la violencia en el arte en el mundo actual?
¿Por qué nos gusta tanto ver violencia? ¿Se ve de manera distinta la violencia hoy en día de cómo se veía en los siglos XVI-XVII?
Jan Lauwers
es un artista multidisciplinar, nacido en Amberes en 1957.
Es conocido como uno de los artistas de vanguardia más importantes del panorama artístico europeo.
En los últimos treinta años, se ha hecho más conocido por su trabajo
pionero para la escenario con Needcompany, fundado en Bruselas en 1986,
un colectivo de teatro involucrado en diversas vertientes de las artes escénicas (teatro, danza, performance y artes visuales)
y pionero en producciones multilingües (neerlandés, inglés, francés, español… ),
con énfasis en textos posdramáticos.
Además de su trabajo en el teatro, ha tenido una importante carrera en las artes visuales
y desde 2018 comenzó a trabajar en la ópera.
Una producción de NEEDCOMPANY
En coproducción con Festival Grec de Barcelona, Teatre Nacional de Catalunya,
Teatro Español, Teatro Central de Sevilla, Cultuurcentrum Brugge y Les Salins – Scène Nationale de Martigues.
Espectáculo en inglés y castellano con sobretítulos en castellano.
No recomendado para menores de 16 años.
ARCAS 2020
Erase una vez un apocalipsis… Solamente sobrevivieron algunos seres
en un arca que navega sin rumbo ni tierra a la vista.
Los años han pasado y las formas de vida han aprendido a establecer
nuevos vínculos y conexiones: las jerarquías no son ni verticales ni horizontales,
sino circulares o en espiral; la muerte es una metáfora; y la transformación es un espectáculo.
A su alrededor solo hay océano. Sesiones de llanto multiespecie,
stripteases (post)dramáticos y rituales compartidos de duelo hiperconectan
y desencadenan sentimientos nunca antes sentidos por les habitantes del arca mientras
la mítica embarcación viaja hacia un presente en bucle. Pero la moral
y la ética son más un proceso continuo que un sistema fijo
y este nuevo sistema también está condenado a cambiar.
Paul B. Preciado pone de manifiesto que el aprendizaje que más nos urge
es el de cómo convivir con los animales y cómo convivir con los muertos.
¿A través de qué tipo de cambios convulsos tenemos que pasar para visualizar,
desde el arca, futuros?
ARCAS 2020 es un simulacro de un ecosistema alternativo
con seres ancestrales y de última hora, antenas, dedos, cuerdas,
colas de lagarto, patas de araña y cabellos muy enredados.
Es una fabulación especulativa sobre el castigo y el privilegio,
sobre nuestro estado actual de paranoia global, pero principalmente es una obra
de teatro sobre la necesidad de comprendernos en un entorno de múltiples especies,
dónde los seres humanos abandonen el antropocentrismo
para imaginar otras posibilidades y formas de convivencia. La existencia no se reduce a un único arca.
Un viaje que ya ha pasado. Un viaje que está sucediendo.
Un viaje que se está preparando.
VVAA no es una compañía, es un colectivo artístico formado por una unión
de personas que desean comprometerse con la renovación de la cultura y del arte.
Entre sus espectáculos destacamos ARCAS 2020 (Teatre Lliure 2021,
Teatro Calderón Valladolid 2022 y Teatros del Canal 2022),
This is real love (Sala Beckett 2019, Teatre Lliure 2019, Premio de la Crítica 2020),
Like si lloras (Sala Beckett 2016, Volksbühne Berlin 2018),
Wohnwagen (Escenari Brossa 2016, Teatro Español Madrid 2017,
Premio BBVA 2017), Pool (no water) (Fira Tàrrega i Sala Beckett 2018)
y Pussy Picnic (La Infinita 2018, Postmasters Gallery Rome 2019).
Una coproducción de VVAA Colectivo, Teatre Lliure y MeetYou Valladolid.
Agradecimientos: Nau Ivanow, Balearia, L’Aquàrium Barcelona,
Marc Udina, Blai Juanet Sanagustín.
